theCOart se enorgullece de presentar «Identidad Nacional», obras en distintos medios que buscan provocar un debate interdisciplinar sobre la identidad multicultural de Sudáfrica. Aunque las prácticas, los procesos y las filosofías personales pueden diferir, todos los artistas comparten un objetivo común: crear arte relevante y técnicamente solvente.
ARTISTAS PARTICIPANTES:
ZANELE MUHOLI
ROGER BALLEN
ANTON KARSTEL
MIA CHAPLIN
BRETT MURRAY
STEVEN COHEN
DIANE VICTOR
WILLIAM KENTRIDGE
MATTHEW HINDLEY
NORMAN CATHERINE
CONRAD BOTES
CHRISTIAAN DIEDERICKS
BASTIAAN VAN STENIS
RUHAN JANSE VAN VUUREN
ELIZABETH BALCOMB
RUAN HUISAMEN
PIERRE LE RICHE
ALEXANDER KNOX
DECLARACIÓN DE LOS COMISARIOS: Una de nuestras necesidades más profundas es la de un sentido de identidad, pertenencia y vinculación humana. La identidad es la manera en que nos percibimos y nos expresamos. Los factores y condiciones con los que nace un individuo —como la herencia étnica, el sexo o el propio cuerpo— suelen desempeñar un papel en la definición de la identidad.
Sin embargo, muchos aspectos de la identidad de una persona cambian a lo largo de su vida. Las experiencias pueden alterar la manera en que uno se ve a sí mismo o es percibido por los demás. A su vez, las identidades influyen en las decisiones que se toman: los individuos eligen sus amistades, adoptan ciertas modas y se alinean con determinadas creencias políticas en función de su identidad.
La era del Apartheid en Sudáfrica llegó a su fin con las primeras elecciones libres de 1994. Desde entonces, el arte visual ha desempeñado un papel fundamental en el proceso de cambio social: la búsqueda de una nueva identidad nacional se refleja vívidamente en la diversidad del arte sudafricano contemporáneo.
Los artistas de esta exposición utilizan su trabajo para expresar, explorar y cuestionar ideas sobre la identidad. Por ello, no se trata simplemente de lo que vemos, sino de una forma de ver. Lo vemos con los ojos, pero lo interpretamos con la mente y le atribuimos valores a la identidad por razones espirituales intangibles. La identidad es importante en el arte porque expresa una comprensión significativa de quiénes somos. Si no has sido honesto contigo mismo, tu obra no tendrá el impacto necesario para generar ningún tipo de respuesta en el espectador.
OBRA OFICIAL DE ESTA EXPOSICIÓN: Ruhan Huisamen – «Ship of Fools»
BIOGRAFÍAS DE LOS ARTISTAS:
Zanele Muholi (n. 1972, Durban, Sudáfrica). Fotógrafa y autoproclamada activista visual, Zanele Muholi explora la identidad queer negra en la Sudáfrica contemporánea. Muholi ganó prominencia con su serie «Faces and Phases», en la que retrató a cientos de mujeres con gran sensibilidad, desafiando la retórica aceptada en el país de que la homosexualidad es antiafricana. La artista, nacida en Durban y con base en Johannesburgo, ha realizado exposiciones individuales en la Tate Modern de Londres, Fotografiska de Estocolmo, el Brooklyn Museum y el Stedelijk Museum de Ámsterdam, entre otras instituciones. Muholi representó a Sudáfrica en la Bienal de Venecia de 2013 y participó en la exposición internacional de 2019. También exploró el autorretrato con la serie «Somnyama Ngonyama» («Salve a la Leona Oscura»), que aborda el racismo, la sexualidad y la política del cuerpo negro.
Roger Ballen (n. 1950, EE. UU.-Sudáfrica). Roger Ballen lleva tres décadas viviendo y trabajando en Johannesburgo. Su fotografía en blanco y negro ha evolucionado desde un enfoque documental y periodístico —como la serie de 1994 «Platteland: Images From Rural South Africa», que retrataba a los pobres y los marginados sociales— hacia composiciones escenificadas y pictóricas de mundos privados y surrealistas, muchos sin sujetos humanos. En la serie de 2009 «Boarding House», animales, dibujos murales y objetos como muebles y cables eléctricos se combinan para producir imágenes ambiguas e inquietantes, en la línea de artistas como Diane Arbus.
Anton Karstel (n. 1968, Pretoria, Sudáfrica). Karstel es una voz poderosa en el panorama de las bellas artes sudafricanas. Su estilo único y la manera en que retrata los eventos históricos demuestran su profunda perspicacia y el dominio de su arte. Sus obras, imbuidas de colores sutiles y marcas colocadas de forma deliberada, conmueven al espectador en tres niveles: son estéticamente perdurables, emocionalmente resonantes e intelectualmente estimulantes. Su estilo produce un efecto de «insinuación»: las múltiples capas de sus obras —ya sean pinturas, instalaciones o fotografías— invitan al espectador a sumergirse en lo que está viendo y a cuestionar su comprensión de ello. Los pequeños detalles evocan deseo, respeto e interés; sus obras son objetos de belleza verdaderamente inspiradores. Karstel nos recuerda que todo lo que vemos o parecemos ver está sustentado por la historia. Solo podemos existir en un espacio cuando hemos reconocido el proceso de llegar a ser.
Esta relación es un romanticismo brutal genuinamente seductor. El valor contemporáneo de su obra está finamente equilibrado por la comprensión crítica de la misma. El arte es un espejo, y Karstel es el cristal finamente pulido que nos muestra las partes más íntimas de nosotros mismos sin juzgarnos. Eso se lo deja al espectador. Su estilo está clásicamente enraizado en las intensas atmósferas de las obras maestras históricas, pero tiene una fresca corriente de relevancia actual.
Mia Chaplin (n. 1990, Ciudad del Cabo, Sudáfrica) es una pintora que vive y trabaja en Ciudad del Cabo. Sus obras, realizadas en óleo sobre lienzo y papel, son altamente expresivas y se caracterizan por sus ricas superficies de empaste y las pinceladas visibles. Sus trabajos más recientes enfatizan una paleta de colores apagados con tonos cárneos rosados y reflejos dorados. Compuestos por bodegones, estudios de figuras y paisajes, sus obras parecen meditar sobre lo familiar. Su estilo pictórico suelto y errático —sinónimo del de los impresionistas— es intuitivo y acentúa la emotividad de sus piezas. Comunican una sensación de extrañamiento que refleja un distanciamiento entre el yo y su entorno.
Desde que completó su BFA en la Michaelis School of Fine Art de Ciudad del Cabo en 2011, Chaplin ha realizado cuatro exposiciones individuales: Mouth (2018), Under a Boiling River (2017) y Binding Forms (2016) con WHATIFTHEWORLD, y más recientemente Underbelly (2019) con No Man’s Art Gallery en Ámsterdam. También ha ampliado su práctica pictórica al grabado y ha completado residencias artísticas en la Cité Internationale Des Artes de París (2018), la Fundación Nirox Arts de Johannesburgo (2016) y la Fundación OBRAS en Alentejo, Portugal (2015).
Brett Murray (n. 1961, Pretoria, Sudáfrica) es un artista sudafricano conocido principalmente por sus esculturas murales de acero y técnica mixta. Murray tiene un máster en bellas artes por la Michaelis School of Fine Art (1989). La crítica Brenda Atkinson lo ha denominado «el príncipe oscuro del pop art sudafricano». Murray es uno de los artistas más populares del país; utiliza imágenes mediáticas fácilmente reconocibles con un giro subversivo y amargamente divertido. Su obra aborda las guerras culturales, el choque entre el afrocentrismo y el eurocentrismo, y la vieja y la nueva Sudáfrica. Murray fue también el fundador del departamento de escultura de la Universidad de Stellenbosch.
Steven Cohen (n. 1962, Johannesburgo, Sudáfrica). Cohen vive en Lille, Francia. Es un artista visual y de performance que realiza intervenciones en el espacio público, así como en galerías y espacios teatrales. Ha actuado extensamente en el circuito de festivales, en lugares tan prestigiosos como la Ópera Nacional de Burdeos, el Festival d’Automne y el Centro Pompidou de París, el ImPulsTanz Vienna International Dance Festival, el Festival Internacional de las Artes de Makhanda, el Théâtre du Rond-Point de París, Montpellier Danse, el Festival d’Avignon, el Festival de Ópera de Múnich (Ópera Estatal de Baviera), el Festival Escena Contemporánea de Madrid, Bozar en Bruselas, Oktoberdans en Bergen (Noruega) y Canadian Stage en Toronto.
Cohen participó en la XI Bienal de La Habana (2012) y en la primera Trienal Aichi de Japón (2010). Entre sus exposiciones colectivas recientes figuran Plus que parfaits, Ópera de Burdeos (2020); IncarNations: African Art as Philosophy, BOZAR (2019); la EVA International, Bienal Irlandesa de Arte Contemporáneo (2018); y Disguise: Masks and Global African Art, Seattle Art Museum y Brooklyn Art Museum (2015-16), entre otras.
Diane Victor (n. 1964, Gauteng, Sudáfrica) es una artista contemporánea sudafricana conocida por sus dibujos y grabados que exploran la injusticia social, la guerra y la corrupción. Sus retratos de niños desaparecidos, realizados con carboncillo y humo de vela, se encuentran entre sus obras más estimadas. «Los retratos se realizan con los depósitos de carbono del humo de vela sobre papel blanco. Son extremadamente frágiles y pueden dañarse fácilmente», explicó. Nacida en 1964 en Witbank, Sudáfrica, obtuvo su BFA en la Universidad de Witwatersrand en 1986. Sus obras forman parte de las colecciones del Museum of Modern Art de Nueva York, el Baltimore Museum of Art, la Iziko South African National Gallery de Ciudad del Cabo y el Minneapolis Institute of Arts, entre otros.
William Kentridge (n. 1955, Johannesburgo, Sudáfrica). Tras estudiar Ciencias Políticas en Wits a finales de los años setenta y el arte del mimo en París a principios de los ochenta, William Kentridge combina continuamente estos intereses en su arte. Sus extraordinarias habilidades de dibujo se perfeccionaron en la Johannesburg Art Foundation. En sus numerosas animaciones de stop-frame de los años noventa y en las instalaciones a gran escala de principios del siglo XXI, refleja dramáticamente los efectos del colonialismo sobre los oprimidos. Es el verdadero emblema del Arte Africano Contemporáneo.
Matthew Hindley (n. 1974, Ciudad del Cabo, Sudáfrica) se graduó en la Michaelis School of Fine Art de Ciudad del Cabo en 2002, donde recibió el Premio Michaelis. Sus intensas y poéticas obras han figurado en diversas exposiciones críticas y seminales del arte sudafricano. Entre sus exposiciones individuales recientes destacan An Everlasting Once en Brundyn + Gonsalves, Ciudad del Cabo (2011), y Twilight of the Idols en Biksady, Budapest (2013). Ha presentado obras en el Eli and Edythe Broad Museum de Michigan (2012) y en la Bienal de Kochi Muziris, India (2012). Su escultura pública Speak Naturally and Continuously está instalada sobre la entrada de la South African National Gallery de Ciudad del Cabo.
Norman Catherine (n. 1949, East London, Sudáfrica). Asistió a la EL Technical College Art School de 1967 a 1968 y es en gran medida autodidacta. El arte de Catherine adopta una visión distópica del panorama sociopolítico que conforma su psique. La historia, el horror, el crimen, el conflicto, las psicosis, la política y las patologías sirven de estímulo para su producción creativa, que oscila entre lo macabro y lo cómico, entre el jadeo y la carcajada.
Conrad Botes (n. 1969, Ladysmith, Sudáfrica). Con sus monotipos, serigrafías, litografías y otras obras sobre papel, Conrad Botes demuestra su condición de abanderado del movimiento Post-Pop en Sudáfrica. Con sus iconos de hombres y mujeres atávicos —incluida el «alma torturada» y la femme fatale—, el artista se burla de las nociones convencionales de individualismo y «humanismo». Botes ha sido descrito en la literatura crítica como el artista «posthumano» por excelencia (Ashraf Jamal, 2004). Sus obras logran una interesante fusión de lo pastoril con las realidades y estéticas contemporáneas.
Christiaan Diedericks (n. 1969, Potchefstroom, Sudáfrica). «En mi obra, el tiempo y el espacio parecen disolverse y surge un aire de conflicto. Esto es a menudo el resultado directo de un objetivo personal de calmar y perturbar al mismo tiempo, trazando paralelismos entre los dos extremos de la utopía y la distopía». Christiaan Diedericks es un artista visual galardonado con múltiples premios, considerado por muchos como uno de los mejores grabadores surgidos de Sudáfrica. Ha completado más de 50 residencias internacionales y participado en más de 30 bienales internacionales. Sus obras forman parte de importantes colecciones de museos, empresas y particulares, incluido el MOMA de Nueva York, la Ampersand Foundation, la Cité Internationale des Arts de París y el Museo de Arte Contemporáneo de Auvernia (Francia).
Bastiaan van Stenis (n. 1981, Hermanus, Sudáfrica). De ascendencia mitad holandesa, mitad sudafricana, Bastiaan creció en Ciudad del Cabo. Es principalmente autodidacta. Sus pinturas se expresan utilizando una amplia gama de herramientas y medios, como pintura, tela, cera encáustica, pelo, pegamentos y collage. Sus otras actividades incluyen la taxidermia y la escultura. Las figuras que presenta tanto explotan como se disuelven en los melocotones cremosos anaranjados, los verdes menta y los amarillos de Nápoles que se han convertido en una parte central de su estilo.
Ruhan Janse van Vuuren (n. 1981, Amersfoort, Sudáfrica). La obra de Janse van Vuuren es visualmente impactante y deja en el espectador una respuesta emotiva que los impregna. Sus figuras técnicamente competentes se convierten en los lienzos sobre los que juega: añade objetos mundanos y marcas, elimina elementos. Todo ello culmina en obras imbuidas de un sutil simbolismo y significado. Hay un elemento de experimentación que eleva la obra, y Janse van Vuuren empuja su arte más allá de lo esperado para crear lo inesperado.
Elizabeth Balcomb (n. 1974, Midlands, Sudáfrica). Elizabeth Balcomb es una artista sudafricana autodidacta conocida por sus escalofriantes esculturas figurativas. Creció a orillas del río Umgeni, en los Midlands de KwaZulu-Natal. Tras graduarse, trabajó en diversas reservas naturales de Sudáfrica y Zambia, centrándose en la educación medioambiental, antes de convertirse en artista a tiempo completo en 2010. Gran parte de la obra de Balcomb es una reinterpretación de la escultura clásica que utiliza el lenguaje del Renacimiento para explorar y exponer elementos de la naturaleza humana. Trabaja en arcilla y produce ediciones limitadas en bronce.
Ruan Huisamen (n. 1991, Ciudad del Cabo, Sudáfrica). Los retratos al carboncillo del artista autodidacta Ruan Huisamen demuestran un dominio de la forma humana. Sus retratos aparecen aislados y en gran medida descontextualizados en el tiempo y el espacio gracias a sus fondos mayormente oscuros. Huisamen no reproduce simplemente una fotografía con exactitud mecánica: a mitad del proceso desecha la fotografía y se apoya en su propia intuición. Ha sido nominado a los premios Absa L’Atelier, Sasol New Signatures, SPI National Portrait y Sanlam Vuleka.
Pierre le Riche (n. 1986, Port Elizabeth, Sudáfrica) es un artista conceptual que vive y trabaja en Ciudad del Cabo. Trabaja principalmente en escultura e instalación y ha ganado reconocimiento por su uso dinámico del hilo y los textiles. Ha participado en numerosos proyectos y exposiciones en Sudáfrica y en el extranjero, y ha colaborado con marcas como Power Play, Trenery, Cartier y Daimler. Posee un máster en Bellas Artes por la Michaelis School of Fine Art de la Universidad de Ciudad del Cabo.
Alexander Knox (Ciudad del Cabo, Sudáfrica) es un pintor de retratos y paisajes con base en Ciudad del Cabo. Se graduó en la Ruth Prowse School of Art en 2015 y fue finalista entre los 40 mejores del Sanlam Portrait Award en 2017 y 2019. Sus retratos se inscriben en el estilo del Realismo Imaginativo y representan mayoritariamente a personas que viven en un futuro postapocalíptico.
SOBRE THECOART:
theCOart es una galería de arte y consultoría fundada en junio de 2013. La galería exhibe y promueve obra contemporánea de artistas sudafricanos tanto emergentes como consolidados.
En un mundo digital en constante cambio, hemos evolucionado hacia una plataforma en línea disponible 24/7 y sin fronteras geográficas. Actualmente colaboramos con galerías, estudios y residencias artísticas de Sudáfrica, España, Inglaterra y Francia.
Nuestra misión es proporcionar una plataforma y una red para que los artistas se desarrollen y alcancen una mayor proyección internacional. Nos enfocamos en la exposición nacional e internacional de los artistas y prestamos servicios curatoriales a galerías, coleccionistas privados y empresas.
La galería se enorgullece de exhibir obras en una amplia gama de medios, buscando provocar un debate interdisciplinar. Aunque las prácticas, los procesos y las filosofías personales pueden diferir, todos los artistas comparten un objetivo común: crear arte relevante y técnicamente solvente.
